Una morfología de la obra de Hayao Miyazaki en cuatro películas de él.

El primer ciclo del año de la Cineteca de Michoacán AC, dio una mirada cargada al cine de uno de los mayores realizadores de animaciones del siglo XXI, por las fechas de su nacimiento 71.

El autor de una mitología. Es una impresión de la revisión que el ciclo “Hayao Miyazaki” permitió del nacido en Tokio. En las cuatro proyecciones (Mi vecino Totoro –enero 11-, La princesa Mononoke -18-, El castillo vagabundo -25-, y El secreto de la sirenita –febrero 1-), Miyazaki se manifestó como un creador sin oposición. No rompe ni altera los cánones de la cinta animada, sino que propicia una eclosión del género.
En el libro “1001 películas que ver antes de morir”, Joshua Klein dice de él: “Su visión es tan singular que resulta difícil decidir en donde colocarlo. No es un amante del pasado porque en el pasado nadie ha hecho películas como las suyas. Tampoco es un precursor porque resulta difícil imaginar a otro que no se Miyazaki que hago lo mismo.” [p. 920].
Un fundamento del éxito de las películas de Hayao está en la prolífica producción de ilusión que extrae del saber usar el dibujo animado. Lotman, en “Sobre el lenguaje de los dibujos animados” [Semiósfera III], expone el caso con la sustitución del actor humano por el muñeco trasladado a la pantalla: “Tal naturaleza del lenguaje de la animación hace que esta especie de cine sea extraordinariamente adecuada para la transmisión de diversos matices de ironía y la creación de un texto de ficción. No por casualidad uno de los géneros en los que a la cinta dibujada y a la de muñecos les esperaban los mayores éxitos fue el cuento maravilloso para adultos.” (Antes escribe que la capacidad de producir ilusión se debe al movimiento del dibujo. Miyazaki entendía bien esto. Adepto de la buena pintura -las cuatro películas parecen collages-, en El secreto… no limitó el número de dibujos por segundo y creó la cinta animada con más dibujos de la historia: cuento ochenta y cinco mil).
El término Cuento maravilloso queda justo para sustentar una apreciación general a partir de las cuatro películas. En todas ellas, Miyazaki se vale del viaje. Se vio en el texto “El fútbol en el cine”, que el viaje permite establecer secuencias, y que es, a la manera de Greimas, un querer-ser del sujeto que deriva en la oposición paseo/búsqueda. En dicha oposición surge la confrontación del individuo (el viajero) con lo colectivo (los lugares de destino).
En esa confrontación se marcan, en estas películas, campos semánticos bien delimitados. Fundamentales son los que conforman los elementos de la antinomia naturaleza-desarrollo. El viaje pone en contacto dos mundos. Se da invariablemente desde el espacio natural hacia el citadino:

Mei, que sale hacia el hospital donde convalece su madre (Mi vecino…);
Ashitaka, en busca de un remedio para curarse una infección (La princesa…);
Sophie, en procura de lo que rompa el hechizo que la convirtió en anciana (El castillo…), y
Fujimoto, que parte en busca de su hija (El secreto…).

El esquema del cuento maravilloso asoma con la partida de un personaje, al que no le queda holgada la función de héroe, movido, por la búsqueda de una antídoto (salvo el caso de Mei, pero es también un mal lo que motiva su viaje), y en todos los casos se marca la oposición vida/muerte, o si se quiere amor/muerte. El rescate de un ser amado es la constante:

Mei, ayudar a sanar a su madre;
San a Ashitaka;
Howl a Sophie; y
Fujimoto a Ponyo, la sirenita que ha desatado un caos que amenaza al mundo por no saber usara sus poderes, y a la que también debe salvar Sosuke.

No hay un “agresor” (se sigue la terminología de funciones de Propp); lo que el “héroe” encuentra en su camino son seres extraños que conducen hacia un salvador:

Los Duendes del polvo (fantasmas sólo visibles a las almas puras), hacia Totoro;
los lobos gigantes, hacia San (también aparecen algunos fantasmas pequeños);
el espantapájaros que atrae el Castillo, morada de Howl; y
el maremoto de peces gigantes que lleva a Ponyo hacia Sosuke.

Hay de parte del héroe una trasgresión del espacio citadino, aunque no en todos los casos provoca una defensa de este:

Mei sólo tiene la prohibición de abandonar el hogar;
los dioses que, capitaneados por San, defienden el bosque;
las tropas de Madam Sulliman defienden el espacio aéreo del Castillo; y
la gente del pueblo de Sosuke, de Fujimoto.

Otra constante, advertida en el programa de mano de Mi vecino Totoro, es la presencia de mujeres con alta determinación de acción:

Mei,
San,
Sophie, y
Ponyo.

La segunda y la tercera, adolescentes; las otras, niñas, con lo cual no hay correspondencia precisa con que aquella cualidad la tomó Miyazaki de la admiración que sentía por su madre.
La personalidad del repertorio simbólico japonés es otra cualidad. Aunque sólo en Mi vecino… los personajes tiene el rostro de los japoneses –con los ojos rasgados-. Los físicos corresponden al arquetipo nipón. No hay certeza que los personajes, valorados como sujets en el sentido de dinámica, comuniquen con lo accesorio (ropa y peinados principalmente) los modos de la época (excepto en El secreto…, producida en 2008), pero tiene una característica notoria: su cinésica.
En “1001películas…” también se dice que los personajes de Miyazaki son sujetos que desaparecen en los rostros de sus personajes. El código comunicativo que eso activa conduce a lo que Eco [La estructura ausente, p. 240] define como cinésica, un codificador de los gestos humanos. Lo hace enfrascado en una discusión con Pasolini, para quien el lenguaje cinematográfico es el de la toma, y Umberto plantea [op. cit., pp. 244-45] que la cinésica puede descomponer, como hace el procedimiento lingüístico con las palabras, su objeto en figuras dotadas de significación, cosa que no consigue el encuadre de la cámara con una descomposición que extraiga cinemas y cinemorfemas. No es tema para explayarse hoy.
Una mitología particular se aprecia en esta visión al cine de Hayao Miyazaki. Cualquier comparación con otro cine del género puede ser lugar común porque no hay elementos firmes para ello. Es necesario conocer más de su obra –incluido El viaje de Chihiro, su mayor éxito- y de la cultura de Japón para valorar más sus sujets y la visión de su cine.
Se incluye a continuación la biografía de Miyazaki junto con las sinopsis, fichas y datos de las películas de este apunte, entregadas como programa de mano y –afortunadamente para animarse a hacer este complemento- en electrónico a los suscriptores de la cartelera de la Cineteca. Su director, el MVZ Rafael Orozco Flores, preparó los textos.

Hayao Miyazaki es un animador, ilustrador y dibujante de comics (manga) japonés. Nació en Tokio el 5 de enero de 1941.
Gracias al trabajo de su padre, desde muy joven Miyazaki se interesó por la aviación y la literatura bélica, aspectos que más tarde se reflejarían en algunas de sus obras como Porco Rosso, de manera especial, pero en casi todas con un carácter antibélico. Acepta el propio Miyazaki que la admiración por su madre, una mujer de gran fuerza y temperamento, se refleja también en sus películas al grado de que en casi todas ellas aparecen mujeres con amplia determinación de hacer las cosas, algo que se considera raro en la cultura japonesa.
Estudio Ciencias política y Económicas en la Universidad de Gakushuin, de Tokio, y leyó mucha literatura occidental, lo que le ha permitido desarrollar una manera especial de contar sus historias. También desde joven, recibió la influencia de Osamu Tezuka, a quien se considera en padre del manga o comic japonés y por esa influencia Miyazaki desarrolló el gusto por el dibujo.
Su primer acercamiento con los medios de comunicación lo tiene como intercalador, es decir, desarrollaba los dibujos necesarios para una secuencia de movimientos que los directores de los productos animados determinan, esto en la empresa Toei Doga, en donde su escalando posiciones hasta ser uno de sus principales colaboradores.
Más tarde trabajó para Nippon Animation, en donde estuvo a cargo de series animadas de televisión como Heidi, Marco (basado en el cuento mensual “De los Apeninos a los Andes”, de Corazón: diario de un niño, de Edmundo de Amicis) y Conan, el chico del futuro. Las dos primeras conocidas en México y con un éxito mundial, en los años setentas.
La siguiente etapa de la vida profesional de Miyazaki la desarrolla en la empresa Tokio Movie Shinsha, en donde realiza su primer largometraje: Lupin III: el Castillo de Cagliosto. Más tarde es invitado para que realice un manga que más tarde él mismo adaptaría para cine, con el nombre de Nausicaä del Valle del Viento (1984). Esta producción se realiza por la colaboración de los estudios Tokuma Shoten y Topcraft Studio, siendo de esta última de donde se nutriría el personal creativo de los Studios Ghibli en donde ha venido desarrollando la mayor parte de su trabajo cinematográfico.
La mayor parte de la filmografía de Hayao Miyazaki está destinada al público infantil, aunque por su cercanía con el manga tiene muchos seguidores entre los jóvenes y aún el público adulto. Sus temas preferidos son antibélicos o el hombre y la naturaleza, el individualismo o la responsabilidad. Ha tenido varias nominaciones internacionales y en 2002, recibió el Oscar a la mejor cinta animada por El viaje de Chihiro.
Mi vecino Totoro
Sinopsis: Para estar cerca de su madre, ingresada por tuberculosis en un sanatorio rural, las hermanas Mei, de cuatro años, y Satsuki, de once, se mudan junto a su padre, profesor de Arqueología en la Universidad de Tokio, a una vieja casa de campo en Tokorozawa, un pueblo ubicado en la provincia japonesa de Saitama. En su nuevo hogar, las niñas descubren seres como los Duendes del Polvo, unos bichitos de ojos saltones que ocupan las casas deshabitadas y que emprenden la huida durante la mudanza, o los Totoro, los espíritus del bosque que viven en alcanforeros y que sólo pueden ser vistos por los niños de corazón puro. Satsuki y Mei terminarán entablando amistad con ellos. Tras la llegada de un telegrama que alarma a las hermanas sobre el estado de salud de su madre, la pequeña Mei decide ir sola al hospital, por lo que termina perdiéndose. Satsuki, desesperada, pedirá ayuda a Totoro, que no dudará en emprender la búsqueda de su amiga.
Mi vecino Totoro puede ser considerada la primera película del Studio Ghibli destinada, especialmente, al público infantil. Tras dos proyectos con argumentos complejos, Miyazaki se decantó por una historia sencilla creada a partir de recuerdos relacionados con su infancia. Así, la película transcurre en la misma época en la que él fue niño (los años 50), y en ella plasma datos autobiográficos como la convalecencia de su madre durante nueve años en un hospital aquejada de tuberculosis espinal, o la explicación que le daba al viento de los campos, supuestamente producido por los Totoro, seres imaginados por el Miyazaki niño. Por otro lado, en el guión se adivinan influencias de Las Crónicas de Narnia de C.S. Lewis, o Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas de Lewis Carroll, a la que hace un homenaje a través del gato Nebokus, ligeramente inspirado en Chesire (el Gato Risón en Iberoamérica).
La imagen de Totoro, por lo que ha representado para la empresa, ha sido incluida en el logotipo de los Studios Ghibli.
Ficha técnica:
Título original: Tonari no Totoro.
Idea, guión y dirección: Hayao Miyazaki.
Productor: Toru Hara.
Música: Joe Hisaishi.
Producida por Studio Ghibli. Duración: 86 minutos.
Premios: mejor película en los Kinema Jumpo Award, premio Noburo Ofuji en los Mainichi Film Award, premio especial en los Blue Ribbon Awards y mejor película en los Mainichi Film Concours, todos en 1989.
Lanzamiento en cine: 16 de abril de 1988 en Japón.
La princesa Mononoke
Sinopsis: Mientras hace guardia para proteger su aldea, Ashitaka, el príncipe de un pueblo aislado del Japón de la Era Muromachi (1392-1573), es atacado por un Dios Maldito que le produce una infección que comienza a extenderse lentamente por su cuerpo. Al no lograr curarla en el pueblo, el joven se ve obligado a partir y a renunciar a su condición de príncipe para encontrar una forma de detener el maleficio. Una vez va acercándose a las zonas más pobladas del país, descubre que los hombres se encuentran en guerra por la explotación de los bosques. En ellos, a su vez, los dioses se dedican a defenderlos capitaneados por San, una joven humana criada entre lobos gigantes que establecerá una amistad con Ashitaka. El chico maldito intentará no posicionarse en ningún bando, aunque le será imposible no intervenir a favor de aquellos que crea que necesitan su ayuda, sin dejar de lado la búsqueda de la tan ansiada curación a su mal.

La princesa Mononoke surgió del deseo de Miyazaki de hacer una película de época, un sueño que había acariciado desde los primeros 80 y que había cumplido en parte con Nausicaä, sin llegar a satisfacerlo por completo debido a los medios reducidos de los que había dispuesto en aquel proyecto. Por ello, y en pleno rendimiento del Studio Ghibli, escribió un guión complejo más adecuado para un público adulto que infantil o adolescente, y se embarcó en la realización del que iba a ser el anime más ambicioso a todos los niveles de su carrera, cuya producción duró tres años, suponiendo un enorme esfuerzo hasta el punto de que el propio Miyazaki terminó la película con una mano lesionada a causa de las duras sesiones de animación a las que se sometía. Por otra parte fue la primera película del Studio Ghibli en la que se hizo uso de las técnicas por ordenador.

La película fue un éxito absoluto de taquilla, convirtiéndose en el filme con mejor recaudación en la historia de los cines japoneses, incluso por encima de superproducciones de Hollywood como Titanic, un puesto en el que sería reemplazada por el siguiente título de Miyazaki,El viaje de Chihiro. Por fin, el Studio Ghibli conseguía un verdadero éxito comercial en las salas, al que se le unió el reconocimiento de la crítica y el público internacionales, y la primera nominación a los Oscar, que en este caso se dio en la categoría de mejor película extranjera por Japón, galardón que finalmente no consiguió. De esta época data el acuerdo entre Ghibli y Disney para la distribución del catálogo anterior y futuro del estudio nipón.
Ficha técnica:
Título original: Mononoke Hime. Idea, guión y dirección: Hayao Miyazaki. Productor: Toshio Suzuki. Música: Joe Hisaishi. Producida por Studio Ghibli. Duración: 133 minutos.
Premios: nominación al Oscar a la mejor película extranjera por Japón, premio especial en los Hochi Film Awards, mejor director y premio Ishihara Yujiro en los Nikkan Sports Film Awards, todos en 1997. Mejor película y premio especial para Yoshikazu Mera en los Awards of the Japanese Academy, premio especial en los Blue Ribbon Awards, premio de los lectores en los Kinema Jumpo Awards y los premios a la mejor animación, mejor película y premio de los lectores en los Mainichi Film Concours, en 1998.
Lanzamiento en cine: 12 de julio de 1997 en Japón.
El castillo vagabundo
Sinopsis: Sophie es una joven de dieciocho años que trabaja sin descanso en la sombrerería que heredó de su padre, ya fallecido. En uno de los escasos paseos que realiza por la ciudad, es asaltada en un callejón por dos soldados que le impiden el paso. En ese momento aparece un joven apuesto que se hace pasar por un conocido de la chica para que ésta pueda seguir su camino. Una vez han logrado librarse de los soldados, surgen de las paredes del callejón unos extraños seres que les persiguen, y el joven, que resulta ser un mago con extraordinarios poderes llamado Howl, eleva a Sophie del suelo y la traslada volando a lo alto de un edificio, donde se despide. Esa noche, mientras Sophie está cerrando la sombrerería, recibe la visita de una clienta, la Bruja del Páramo, una malvada hechicera responsable de los extraños seres que aparecieron en el callejón, sus esbirros. La bruja cree que Sophie es amiga del mago, y como escarmiento a Howl la convierte en una anciana que no puede revelar su verdadera identidad. Sophie decide abandonar la ciudad, y se encuentra con un espantapájaros también encantado llamado Navet que consigue atraer al castillo ambulante en el que habita Howl. La joven-anciana se adentra en él y conoce a Cálcifer, un demonio del fuego que se encarga de mantener caliente el castillo, o a Marko, un pequeño aprendiz de mago muy desordenado. Al tiempo, una guerra se aproxima y Howl es convocado por Madam Suliman, su maestra, para unirse a un bando, pero éste se niega y decide luchar por su cuenta por que la guerra termine. Sophie entonces ayudará en la medida de lo posible al mago, cuyos enfrentamientos en la guerra le irán debilitando poco a poco.
Producción:
En un principio la película iba a ser dirigida por Mamoru Hosoda (Digimon), pero tras su repentino abandono, Miyazaki, que tan sólo iba a ocuparse del guión, se hizo también cargo de la dirección. El castillo ambulante está basada libremente en la novela Howl’s Moving Castle de Diana Wynne Jones, que a pesar de los grandes cambios que experimenta el libro en su adaptación animada, quedó muy satisfecha con el resultado final de la película. La autora pudo verla antes de su estreno en un pase que Miyazaki ofreció en Inglaterra el verano de 2004 exclusivamente para ella. El animador japonés reconoció en una entrevista haberse inspirado para la creación de las ciudades que aparecen en el filme en la Alsacia de principios del siglo XX, lugar que había visitado en uno de sus viajes por Europa. Como en sus dos películas anteriores, Miyazaki volvió a poner al servicio de la animación tradicional las técnicas digitales por ordenador, que en esta ocasión sirvieron para modelar el castillo y crear algunos fondos.
Distribución:
Con El castillo ambulante Miyazaki rompió por tercera vez consecutiva la taquilla japonesa, igualando en recaudación a La princesa Monooke. La película se convirtió nuevamente en un éxito internacional, cosechó excelentes críticas y proporcionó al director y al Studio Ghibli una tercera nominación al Oscar, una vez más en la categoría de mejor película de animación. Disney, actual poseedora de los derechos de distribución del Studio Ghibli en EE.UU, puso toda la carne en el asador con el doblaje al inglés, trabajo que fue supervisado por John Lasseter, auténtico fanático de Miyazaki, y Pete Docter (director de Monsters, Inc.). En él pusieron voces a los protagonistas estrellas de Hollywood como Christian Bale (Howl), Lauren Bacall (Sophie) o Billy Cystal (Cálcifer). Con todo, la película no tuvo un éxito masivo en Norteamérica debido al insuficiente número de copias con las que se distribuyó.

Ficha técnica:
-Título original: Hauru no Ugoku Shiro.
-Guión y dirección: Hayao Miyazaki, Basada libremente en la novela Howl’s Moving Castle de Diana Wynne Jones.
-Productor: Toshio Suzuki.
-Música: Joe Hisaishi.
-Producida por Studio Ghibli.
-Duración: 116 minutos.
-Premios: nominación al Oscar a la mejor película de animación 2005. Golden Osella en el Festival de Venecia y premio del público a la mejor película en el Festival de Sitges, ambos en el año 2004. Premio a la mejor película por los lectores en los Mainichi Film Concours, a la mejor banda sonora por la Asociación de Críticos de Los Ángeles, a la mejor película de animación por la Asociación de Críticos de Nueva York y por el Festival de Hollywood, todos en 2005.
-Lanzamiento en cine: 20 de noviembre de 2004 en Japón, 3 de marzo de 2006 en España.
-Lanzamiento DVD en España: 14 de junio de 2006 por Aurum.
El secreto de la sirenita
Argumento:
Sosuke, un niño de cinco años que vive en lo alto de un acantilado junto al mar, encuentra en la playa atrapado dentro de un bote de cristal a un pez con cara humana al que libera rompiendo el recipiente, algo que le provoca un corte en el dedo. El pez en un principio parece muerto, pero de repente saca su lengua y lame la herida del niño, curándola al instante. Sosuke entonces lo adopta como mascota y le bautiza con el nombre de Ponyo. El pez en realidad resulta ser la hija de un hechicero marino llamado Fujimoto que en otro tiempo fue humano. Ponyo, cuyo nombre real es Brunilda, se ha escapado de casa y su padre anda en su busca. Sosuke, ajeno a esta circunstancia, establece una relación de amistad con la niña-pez y promete protegerla y cuidarla, pero al pie de la residencia de ancianos en la que trabaja Lisa, la madre del niño, el mar, dirigido por Fujimoto, engulle el cubo de plástico en el que está metida Ponyo, y ésta es capturada por el hechicero, que la lleva consigo de vuelta al océano. Sin embargo Ponyo, que chupó sangre de Sosuke, tras una discusión con su padre, desarrolla extremidades, y gracias a la ayuda de sus hermanas pequeñas, consigue escapar de nuevo vertiendo una gran carga mágica sobre el mar. La niña-pez volverá al pueblo pesquero en el que vive Sosuke para reencontrarse con él montada sobre un maremoto con forma de peces gigantes que desatará el caos.
Producción:
Tras El castillo vagabundo, Miyazaki revisitó al autor Natsume Soseki, un enamorado de la pintura prerrafaelita, y empezó a interesarse por este movimiento pictórico. Tras ver el detallismo del paisaje del cuadro La dama de Shalott, de John William Waterhouse, el director sintió que Ghibli no podría llegar a ese nivel y planteó a su equipo dejar a un lado las técnicas digitales utilizadas en sus tres películas anteriores para volver al origen de la animación, ya que si al menos no iban a alcanzar el virtuosismo de la pintura victoriana, sí podían crear un dibujo sencillo que se moviera más rápido de lo habitual. Para ello, Miyazaki dio indicaciones de no limitar el número de dibujos por segundo, lo que produjo un total de 185.000 (70.000 más que El viaje de Chihiro), convirtiendo a Ponyo en la película de animación con más dibujos de la historia. Miyazaki se basó libremente en el cuento La sirenita de Hans Christian Andersen para escribir el guión. A su vez, Soseki también influyó en el filme a través de la idea de una revolución que transforme la relación de los seres humanos con la naturaleza, tema ya visto en Nausicaä o La princesa Mononoke. Por otro lado, Ponyo es una vuelta al público objetivo de Mi vecino Totoro y en general de Ghibli: el infantil, a pesar de que, como afirma Miyazaki, la forma de trabajo del estudio lleve a que los adultos también vean sus películas.
Distribución:
El secreto de la sirenita o Ponyo en el acantilado ha sido el filme de Miyazaki con una mayor y más rápida distribución internacional. En Japón obtuvo un gran éxito de taquilla alcanzando los 91 millones de dólares en el primer mes de exhibición, si bien no llegó a superar las recaudaciones de las tres películas anteriores del director nipón de manera global. En EE.UU y Canadá se estrenó en 927 salas, cifra récord para Miyazaki en Norteamérica (la siguiente película en número de copias es La princesa Mononoke con 38). En el doblaje al inglés producido por Disney participaron estrellas de Hollywood como Cate Blanchett (Diosa del Mar), Matt Damon (Kōichi) o Liam Neeson (Fujimoto). Ponyo fue preseleccionada al Oscar a la mejor película de animación, aunque finalmente no logró ser nominada.
Ficha técnica:
Título original: Gake no ue no Ponyo. Guión (basado libremente en el cuento de Hans Christian Andersen La sirenita) y dirección: Hayao Miyazaki. Productor: Toshio Suzuki. Música: Joe Hisaishi. Producida por Studio Ghibli. Duración: 97 minutos.
-Premios: mención especial en el Venice Future Film Festival 2008. Premios al anime del año, al mejor director, a la mejor historia original y a la mejor dirección artística en los Tokyo Anime Awards y premios a la animación del año y al mayor logro musical en los Tokyo Academy Prize, todos en 2009.

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